Girasoles de Vincent van Gogh

Los girasoles es una serie de cuadros al óleo realizados por el pintor holandés Vincent van Gogh. De la serie hay tres cuadros similares con quince girasoles en un jarrón, y dos con doce girasoles, también en un jarrón.

Van Gogh empezó a pintar a finales de verano de 1888 y continuó durante el año siguiente. Su casa en Arles tenía la fachada pintada de amarillo; eso, junto con el ardiente sol mediterráneo del sur de Francia, le inspiraron para elaborar esta serie. Uno de los cuadros fue a decorar la habitación de su amigo Paul Gauguin. Las pinturas muestran girasoles en todas las etapas de su vida, desde plenamente en flor hasta que se marchitan.

Detalles de la obra "Campo de trigo con cuervos"

Diferentes hipótesis y teorías con respecto a los diferentes elementos y demases de la última obra de Vincent Van Gogh:

Cuervos: Los cuervos siendo siempre han sido proféticos de lo que va a suceder, de la muerte. Aunque Van Gogh era un gran admirador de la naturaleza, no hay que quitar la parte simbólica que tienen dichos animales. Son el pesar de Vincent ante el presente y lo que le depararía el futuro. No en vano, este cuadro es el último que pintó antes de su suicidio.

Campo: El 27 de Julio de 1890 salió a un campo y se pegó un tiro en el estómago. Una larga agonía sufrió hasta que dos días después muriera acompañado de su hermano, Theo.

Tormentosa: La vida de Van Gogh dista mucho de ser normal. Atormentado por sus crisis mentales, por su búsqueda de la perfección y huida del fracaso. Para Vincent, la pintura era su vía de escape. La temporada de su suicidio, su hermano sufría problemas en el trabajo, su cuñada y su sobrino estaban enfermos e incluso su amistad con el doctor Gachet estaba en declive.

Camino: Tres caminos rojizos se abren paso en el campo, quizás las salidas que veía Van Gogh a su situación.

Empaste: La obra pictórica de Vincent Van Gogh se caracteriza siempre por un uso de la pincelada muy cargado de pintura. Sus pinceladas son cortas pero cargadas de material, por lo que da un aspecto tosco a sus cuadros pero extremadamente cuidado en cuanto a iluminación y colores. Aunque usa mucha pintura, sabe unir cada tramo para generar luz nocturna, que tanto le apasionaba.

Expresión: Van Gogh, precursor de los expresionistas posteriores, es el artista que mejor ha expresado los sentimientos en los lienzos. Su carga pictórica reside fundamentalmente en los colores usados, en la composición abrupta pero cuidado y, sobre todo, en la melancolía que impregna su obra.

Testamento: Esta obra quizás es su testamento, aunque muchos teóricos afirman que no es su última obra ni que fuera una representación de su muerte. Su obra más completa, dado que utiliza todas sus herramientas para expresar que está en un momento muy duro (lo expresa en el cielo), que su futuro lo ve muy oscuro (los cuervos) y que ve el final del camino (los caminos y el campo de trigo). Es la obra más importante del periodo de Auvers

Suicidio: Cuando murió, llevaba la carta de suicidio que ponía: ...en mi trabajo arriesgo mi vida y mi razón, al borde del naufragio...

"Campo de trigo con cuervos" Vincent Van Gogh. 1890

Campo de Trigo con Cuervos o Cuervos sobre el trigal de Vincent Van Gogh

El 27 el julio de 1890 se disparó un tiro en el pecho. Luego se dirigió al campo de trigo de Auvers sur Oise a pintar, y finalmente volvió a su cama herido de muerte. Falleció dos días después, el 29 de julio. Junto a su cuerpo se encontró una carta inconclusa dirigida a su hermano que decía lo siguiente: "Pues bien, en mi trabajo arriesgo mi vida y en él mi razón se ha hundido a medias...".Van Gogh, antes de suicidarse, pintó la que sería una de sus últimas láminas, "Campo de Trigo con Cuervos".Desde 1880 hasta 1890, Van Gogh realiza cerca de 750 pinturas y alrededor de 1600 dibujos, pasando por diferentes etapas de creación.Vincent van Gogh escribió a su hermano Théo más de 700 cartas (publicadas en 1911), las que constituyen un valioso documento sobre la vida y producción del artista.

Ocho capítulos, ocho sueños

Este film consta de 8 capítulos, ya anteriormente mencionado en la entrada pasada, acá van unos pequeños apuntes sobre cada capítulo.

-"Sunshine Through The Rain”: un niño no dijo que fuera a cabo el día en que tanto las condiciones climáticas se producen, porque es cuando los zorros celebran sus cortejo nupcial, lo que podría tener consecuencias fatales para los que la presencian.

-“l jardín de Peach”: el niño mismo se encuentra con los espíritus de los árboles de durazno que han sido cortados por los seres humanos sin corazón.
“l Blizzard”: un equipo de alpinistas se salva de una tormenta de nieve por la intervención espiritual.

-"El túnel": un hombre se encuentra con el fantasma de un pelotón del ejército, de cuyas muertes fue responsable.

-"Los cuervos": un estudiante de arte se encuentra con "Vincent Van Gogh" y entra en el mundo de sus pinturas.

-"Monte Fuji en: Rojo” fusión nuclear amenaza la devastación de Japón.

-"El Llanto del demonio” un retrato de un mundo post-nuclear poblada por mutaciones humanas.

-“El Pueblo de los Molinos de Agua”: un retrato soleado de un pueblo cuya población está totalmente de acuerdo con la naturaleza.

Uno de estos ocho capítulos, "cuervos" lo hemos visto en clases y posteriormente analizado, este se caracteriza por la inmensidad de signos que presenta, hay una cadena de signos, sobre todo en la parte donde el estudiante de arte observa de manera curiosa cada cuadro de Van Gogh, como por ejemplo, los movimientos del actor, su recorrido a través de los cuadros, los propios cuadros, y hasta las mujeres lavando ropa en el cuadro que supuestamente se interna. El capítulo se trata de la onirización de un viaje a través de los cuadros de Van Gogh, acá hay una profunda busqueda al autor, que incluso se exhibe mas adelante del corto, el hombre tiene la necesidad de encontrarlo. Aquí se presenta una clara observación del arte a través del autor.

"Sueños" de Akira Kurosawa

Ocho episodios exploran diversos aspectos de la humanidad y la necesidad del hombre de sentirse en armonía con la naturaleza y las tradiciones.
El pasado, presente y futuro. Los pensamientos y las imágenes de un hombre para todos los hombres. Un hombre de sueños por cada soñador.
Se trata esencialmente de ocho cortometrajes independientes, aunque con algunas coincidencias en cuanto a personajes y material temático, principalmente la de la relación del hombre con su medio ambiente.
Partir de los recuerdos de infancia, del encuentro espiritual con la inocencia, hasta enfrentar a un mundo degenerado y violento que da la espalda a la naturaleza, esa es la premisa de Los Sueños de Akira Kurosawa.
Una autobiografía onírica con toques de arte, espiritualidad, vida y ecología que expresa las inquietudes y obsesiones de Kurosawa para finalizar con una reflexión sobre su propia vida y los temas que inspiraron su obra.
Y como un sueño, Kurosawa se permite pintar sobre la pantalla con vivos colores que palpitan. Los durazneros que avanzan lentamente, la ferocidad del perro que cuida el túnel, el gas rojo que envuelve al Monte Fuji, las texturas de los campos holandeses de Van Gogh, las tinieblas de los demonios mutantes, la brillantez del agua que cae por los molinos… todo es un sueño pintado con una fuerza y belleza visual incomparable.

Magnetic Rose

Rosa Magnética (Magnetic Rose) es posiblemente la narración más representativa de la colección de memorias de Katsuhiro Otomo . Una nave espacial debe investigar una llamada de emergencia de lo que parece ser una estación espacial en ruinas. Una IA impresa de una diva de ópera amada y hastiada, controla las funciones de la estación, incluyendo sus sistemas de soporte de vida y (para un efecto más dramático) su holografía VR y sus sistemas nanotecnológicos de soporte.
Es quizás, también, la historia que más se asemeja a las grandes construcciones de este género. Magnetic Rose es un cruce entre la novela de aventuras y una historia de fantasmas. En ella participamos de un encuentro inesperado en las profundidades del espacio; embutidos en los protectores trajes espaciales y rodeados de los restos siempre presentes de un ambiente tecnológico muy denso, muy hard. Se respira, asimismo, los ecos y rumores del imaginario de Arthur C. Clarke -en la visión de Stanley Kubrick - algunas de las constantes Dickianas y, evidentemente, todo el suspense de la ciencia ficción cinematográfica más reciente. Rosa magnética expone, además, la confusión entre diferentes planos de realidad; la presencia de fragmentos de memoria implantadas en una inteligencia artificial; las naves vacías y decadentes en contraste con los grandes espacios coloridos y barrocos; la soledad del espacio acompañada de una melodía clásica; la hermandad, el compañerismo y el coleguismo humano en la monotonía de la rutina estelar.
De los tres cortos en Memories, Magnetic Rose es generalmente considerado el mejor, con fans que a menudo alaban su potencia emocional y hábil dirección.

"Memorias" de Katsuhiro Otomo

Memorias (Memories) (1995) - es una película de animación japonesa que incorpora tres cortos del aclamado creador y dibujante Katsuhiro. Las historias reunidas en esta selección permiten conocer un vistazo del estilo gráfico y narrativo del conocido autor y productor de manga y animé japonés. Con Memories explora el imbricado mundo de la ciencia ficción, próxima y utópica, imaginada por este autor y representada en multitud de sutiles detalles visuales y continuas referencias a la tradición de este género.

LA MEMORIA

La memoria es la capacidad de almacenar, retener y recordar toda la información posible, nos permite tener presentes experiencias del pasado, ya sean recientes o muy antiguas. Tenemos recuerdos, imágenes y mucho mas almacenado en ella. Esta nos permite traer al presente algo o alguien y todo esto esta muy vinculado con la experiencia de vida de cada persona.
Algo muy importante que podemos rescatar de ella es que es parte crucial del proceso de aprendizaje, sin ella las experiencias no podrían beneficiarse de la experiencia pasada, es decir, nosotros dependemos mucho de ella, se podría decir que contiene todas nuestras vidas almacenadas en ella, nuestras vidas intimas y personales.
Un poco refiriéndome a la memoria al tema histórico, a mi parecer los recuerdos individuales y personales nos acercan mas a la realidad de la propia historia, ya que uno suele saltarse los hechos individuales centrándose en hechos de mayor magnitud, dejando de lado los memoriales individuales, siendo a mi parecer mas importantes y pilares fundamentales a la hora de reconstruir una historia, ya que finalmente somos nosotros los que vivimos el “hecho” cara a cara.
Con respecto al tema de la memoria como trabajo final, pienso que nos deberíamos centrar en lo recuerdos y testamentos vividos de las propias personas, con respecto al hecho que se quiere abordar, mas que el hecho en si. Pero si hay que abordarlo de manera sútil, es decir, que las personas deban llevar todo lo vivido y observado en su interior y internarse en sus propios recuerdos. Yo creo que ese es el fin del trabajo, con una propuesta llamativa e interesante lograr traer esa memoria pasada al presente, ese recuerdo olvidado al recuerdo reciente, pero todo a través de pequeñas demostraciones y símbolos que vayan incentivando y cautivando tu memoria para volver a revivir ese momento ya olvidado, para luego llegar al gran acto final, donde nuestros recuerdos y pensamientos lleguen a la cumbre de lucidez.

Hiroshima mon amour

Esta es una excepcional película, que marca el debut como director de Alain Resnais, después de una década de producir documentales cortos. Efectivamente, Hiroshima mon amour comenzó como un documental sobre la reconstrucción de Hiroshima, y los primeros quince minutos de la película usa partes del material del documental para lograr un gran efecto para señalar la escena.
Como muchas de sus subsecuentes películas, Resnais usa su único acercamiento de entretejer las memorias y los eventos actuales para crear una ilusión de un tiempo fantasmal eterno. Las frases son repetidas una y otra vez, la cámara panea letárgicamente sobre el escenario mustio, y el dialogo es reproducido sobre el material documental de la reconstrucción de Hiroshima. Genera un efecto de profunda impresión de pesadumbre y tormento auto infligido, perfectamente capturado por la actuación cargada de emoción de Emmanuelle.
Un tema central de la película es necesario para llegar a términos con el horror del pasado. Ambos personajes en la película (la actriz y el arquitecto) tienen dolorosos recuerdos de la guerra, y su vínculo parece representar algún tipo de acercamiento entre el Este y el Oeste. “Tu eres Hiroshima. Tu eres Nevers” es como la película termina, sugiriendo que el tormento del desastre de Hiroshima, como el doloroso romance, algún día serán olvidados.
Pocas películas dejan tan duradera impresión como el Hiroshima mon amour de Resnais. La impresionante fotografía del Hiroshima contemporáneo, mezclada con deprimentes imágenes del tiempo de la guerra en Francia, es arte puro, traída a la vida por la música también. Aunque carece de la estructura tradicional del formato de cine, esta película ofrece una experiencia que es sumamente más gratificante y profundamente emotiva.

“El Desorden necesario” El Realismo surrealista - Lo maravilloso, lo extraño, el asombro

Cuando me pongo a observar mi alrededor, me doy cuenta que uno esta constantemente rodeado de cosas cotidianas, comunes y corrientes, carentes de cualquier asombro y fascinación, ya que uno esta conciente de su concepto, de lo que hace, y por qué esta allí en ese momento. En el minuto que yo cambiase el objeto de su significado habitual, lo desplace, sin darme cuenta y sin haberlo pensado, ya estará entregándome nuevos significados de su nueva apariencia y bastante de eso nos entrega el surrealismo.

“De este modo, lo ficticio, lo imaginario, se encuentran unidos a lo real: lo suprarreal no está mas allá de lo real, sino detrás, escondido, y basta con darle una oportunidad para que se nos aparezca,…”[1]
Cuando uno piensa en surrealismo lo primero que se me viene a la cabeza es algo loco, descabellado, imposible. Pero el concepto para esta palabra es erróneo, este es mas tangible de lo que uno suele creer, el problema está en que lo real suele ocultarse tras una muralla de fachadas, este no está mas allá de lo real, más bien está escondido.
El surrealismo buscaba de cierta manera expresar una realidad plena y este pretendía liberar un inconciente creador, y hacer que las nuevas combinaciones de colores e imágenes del sueño puedan impregnar la vida, de la existencia cotidiana. Para este, el arte es la recuperación de la realidad como una expansión e intensidad creadora, sin la intromisión de la conciencia. Mediante el surrealismo, el arte descubre que el mundo está lleno de libres asociaciones creativas, obras que surgen a través del libre actuar de los artistas al momento de realizar sus obras. Lo curioso y que me llama más la atención de esta corriente es eso, su capacidad de transmitir cosas al espectador, cosas extrañas, cosas inigualables, pero son cosas cotidianas las que te causan eso, no algo fantástico o algo que no provocaría otra obra de arte siendo pensada y calculada.
“El orden no es mas que la exigencia del sentido por la que la razón oculta el desorden radical; sin estar en el caos, en lo absurdo, en la anulación de cualquier regla posible, el surrealismo levanta acta de arbitrariedad”[2]
Para ver el desorden hay que quitar el orden, revelarlo, como dice en el texto, apareciendo en la forma de lo maravilloso, de lo asombroso, pero no por eso deja de ser menos real con todas las demás cosas, solo que menos común y mas oculto. Y ¿Cómo es posible producir “ese” desorden? Según el texto producir diversidades, volver a colocar los objetos, intervenir, ver las nuevas relaciones y es aquí donde entra en juego el trabajo de esta entrega. Lo que finalmente hacemos es ocupar objetos cotidianos, cada uno con un concepto dado, pero la idea de esto, quizá no ignorarlo pero si omitirlo el concepto para hacer algo completamente diferente, un encuentro entre elementos y materiales que no han sido reubicados de tal forma que uno perciba algo común y corriente, de cierta manera uno se tiene que dejar llevar por la arbitrariedad para realizar esta obra, es decir, algo no pensado previamente, si no “ver que pasa” con los elementos, jugar con los materiales e ir descubriendo lo que se puede hacer con ellos.

Entonces, para finalizar con este tema, nos damos cuenta que el cambio que queramos provocar en nuestra obra, no debe ser intuido culturalmente o regido por ciertos parámetros, que al fin y al cabo nos terminan controlando, si no que a partir del objeto y diferentes acciones, sin a partir de una idea o imagen sugerida, nos haga sentir asombro de aquello.
[1] Luis Puelles Romero “El Desorden Necesario”. Murcia: Cendeac, pág. 57-58
[2] Ídem. pág. 64