"Esqueletos que intentan calentarse"

Estat es una obra de James Ensor, que poco a poco hemos ido analizando en clases, hipotetizando su real significado con el profesor.

En el campo del drama hay un trozo que claramente es problematizado en esta obra, "La Muerte" en "vida", la perdida de la identidad. Homenajeando al título "calentarse", es decir, tener conciencia de la vida, un "retorno" a la vida, algo que puede que no sea posible ya que son esqueletos, no pueden calentarse, están muertos, y es aquí donde se presenta el conflicto dramático, en este "imposible", pero lo curioso es que puede que ellos crean de verdad que se están calentando, entonces se cae en este juego de metáfora, se refiere cuando uno cree que consigue algo. Pero lo curioso, es que no todos los esqueletos caen en este mundo de "nos estamos calentando" si no que hay uno que está conciente de que están muertos. Este personaje que observa a los demás (Esqueleto sujetado por una persona) es objeto de tensión en la obra, es decir, nos permite legitimar el conflicto.

Otro objeto de tensión es la presencia de una especie de "juez" que observa la falta de conciencia de las calaberas que pretenden ser humanas, es decir, hay una negación clara de la muerte, reflejada cotidianamente .

El pintor quizá quiera transmitir que nosotros estamos "muertos en vida", calaberizados, nos metaforiza en los esqueletos de su obra (nos recuerda que vamos a morir).

Hay otro tópico en la obra, y que no es menor al momento de analizar y es la presencia de estas "clases sociales" las cuáles cuestiono mucho Ensor en su época, como publique en entradas anteriores, y este malestar de él contra las clases dominantes las reflejaba en sus obras, cosa por lo que no le iba muy bien y recibía fuertes críticas.

Estas clases sociales están metaforizadas en los esqueletos:

-El juzgador, una especie de monje (poder religioso), una calabera "Real", que observa a los demas esqueletos desde el costado superior izquierdo, es quien dirige, vigila y representaría a la clase dominante, presenta poder en relación a los demás.

-Los que intentan calentarse, perteneserían a la clase burgueza

-El Artista en el piso

Todo esto recordándonos que es fuertemente discutido.

Diferentes tópicos de la obra analizados e hipotetizados son producto del Drama "Límites entre la vida y la muerte" (ambiguos), y en que momento han dejado de ser humanos, si ellos están concientes de su tragedia.

"Ensor, pintor de los falsos"

"James Ensor es el pintor de los falsos, los mentirosos y los que ocultan la verdad de quiénes son, con una máscara y tapándose la cara"

En la época que vivió, la burguesía formaba una sociedad hipócrita, una sociedad con caras falsas y expresiones traidoras. Después llegaría la 1ª guerra mundial y se desinflaría la burbuja idealista en la que Europa estaba metida. Ensor, como visionario que fué, captó a aquellas gentes absorvidas por el “aparentar”, la vida viciosa de las ciudades y la mediocridad de gentes con dinero (o no tanto) y sin educación.

James Ensor y sus obras

James Ensor es un pintor belga poco conocido para la mayoría pero muy conocido en los segmentos artísticos de comienzos de siglo XX. Tan conocido fue, que su nombre se asocia a los precursores de estilos como el expresionismo o el surrealismo.

Salió muy poco de Bélgica, incluso su ciudad natal Ostende sólo la dejó un par de años para ir a estudiar arte en Bruselas. Visitó Paris, Londres y Ámsterdam por un breve periodo; este amor a su terruño lo marginó, de cierta manera, del circuito artístico que hombres con menor talento y creatividad, que él, manejaron a la perfección. Esta puede ser una razón de su poca fama hoy.

Su paleta agresiva y colorida es un buen ejemplo de un expresionismo que fue la antesala a estilos como el “Dadaísmo” y de cierta manera el “Surrealismo”.

James Ensor es un hombre vanguardista, un innovador en ese siglo XIX, tan lleno de ganas de cambios sociales, artísticos o políticos.

Al ser un hombre con ideas nuevas lo lleva al terreno del “escándalo” y la censura en su tiempo. La “Entrada de Cristo en Bruselas” (1888) es un claro ejemplo de esto. Rompe las clásicas reglas de perspectiva y de “buen gusto”. Nos hace pensar en un Cristo de ayer visto entrando “hoy” (entendiendo el hoy de hace cien años), de una forma moderna; sometiéndose a la descalificación de sus contemporáneos.

Gente que esconde sus rostros e identidad tras mascaras, son los personajes que se apropiaran de esta “entrada triunfal” para beneficio propio, intereses políticos y comerciales serán en definitiva los grandes beneficiados de este Cristo perdido entre la muchedumbre.

El alcalde de Bruselas esta en el extremo superior derecho, con la banda, como un claro ejemplo de un hombre tratando de girar el evento en su propio beneficio. Cristo tiene el rostro del propio artista, simbolizando esas ganas de transmitir un mensaje ante los avatares descalificadores. Este juego psicológico, trazado con una paleta colorida y ajena a restricciones nos lleva al expresionismo de comienzos de siglo XX. Ensor mantuvo el cuadro durante toda su vida y realizó modificaciones, como con la mayoría de sus obras.

Los temas religiosos de esta etapa, finales de siglo XIX, son un medio para expresar la insensibilidad humana. Única manera del artista de reflejar en su lienzo el disgusto ante las desigualdades de un mundo intolerante y elitista.
Otro medio utilizado son las mascaras y los payasos, que nos presentan los temas desde una perspectiva tragicómica para entender esos hombres de su tiempo. El estilo realista interactúa con el simbolismo, en esta alegoría “Ensoriana”, que nos lleva a ver las cosas con otra mirada, una mirada mas cotidiana y contingente, de un mundo “irreal” y “pasado”.

James Ensor, su genialidad, su atrevimiento y su vanguardismo son encerrados en el fácil calificativo de “pasado de moda” a comienzos del siglo XX. La gente olvida su obra y su talento metiéndolo rápidamente en el saco de pintor del pasado, algo increíble si pensamos que artistas como Paul Klee o Marc Chagall lo dan como referente en sus propias creaciones.

Esa crítica social, contra todos los poderes: iglesia, burguesía, militares y políticos, finalmente le pasan la cuenta. Ensor se cansa de ir contra molinos de viento como se agobia por no vender a nadie sus Obras.

Entrado el siglo XX llega la aceptación popular con reconocimientos, premios e incluso un título de Barón otorgado por el rey Alberto I de Bélgica

La crítica especializada ve en este Ensor de siglo XX un artista sin ganas de mostrar nada nuevo, con una producción mínima y repetitiva.

Un hombre que recibió todos los reconocimientos para un artista que apenas pintó en ese siglo XX, es una contradicción a esa misma critica del siglo XIX que despreció su Obra, ¿quién habrá manejado a quien?

"EL GRITO"

El grito (en noruego Skrik), es el título de varios cuadros del noruego Edvard Munch.

Todas las versiones del cuadro muestran una figura andrógina en primer plano, que simboliza a un hombre moderno en un momento de profunda angustia y desesperación existencial. El paisaje del fondo es Oslo visto desde la colina de Ekeberg . El grito está considerado como una de las más importantes obras del artista y del movimiento expresionista, constituyendo una imagen de icono cultural.

El cuadro es abundante en colores rojizos de fondo, colores oscuros y la figura principal es una persona aparentemente sin cabello en un sendero con vallas que se pierde de vista fuera de la escena. Esta figura está gritando, con una expresión de desesperación. En el fondo, casi fuera de escena, se notan dos figuras con sombrero que no se pueden distinguir. El cielo parece fluido y arremolinado, de colores rojizos cambiantes, igual de arremolinado que el resto del fondo.

Pinturas...

Aquí les muestro un compilado de obras para finalizar este mini maratón de Frida.

"Las dos Fridas"

Continuando con este mini maratón de Frida Kahlo les presentó una de sus obras, está a mi parecer es muy interesante ya que al leer la verdadera interpretación, es una obra que "llega" mucho, es increíble ella cómo expresaba sus problemas y se desahogaba a través de sus obras.

1939 - "Las dos Fridas"

Poco después del divorcio entre Frida Kahlo y Diego Rivera, realizó la artista este autorretrato constituído por dos personalidades. Aquí meditó sobre la crisis matrimonial y la separación. La parte de su personalidad adorada y amada por Diego Rivera es la Frida mexicana con traje de Tehuana, la otra Frida está ataviada con un vestido más bien europeo. Los corazones de ambas están al desnudo y se mantienen unidos por medio de una única arteria. La parte europea de Frida Kahlo, despreciada, amenaza con desangrarse.

Frida Kahlo

Artista mexicana,que nació al sur de la Ciudad de Mexico , el 6 de julio del 1907

Acá van algunos datitos sobre ella:
Caracterizada desde su infancia por un profundo sentido de la independencia y la rebeldía contra los hábitos sociales y morales ordinarios, movida por la pasión y la sensualidad. Orgullosa de su patria y de su tradición cultural, se enfrentó a la reinante penetración de las costumbres estadounidenses, todo ello mezclado con un peculiar sentido del humor.

El aburrimiento que le provocaba su postración la llevó a empezar a pintar: en 1926, todavía en su convalecencia, pintó su primer autorretrato, el primero de una larga serie en la cual expresará los eventos de su vida y sus reacciones emocionales ante los mismos. La mayoría de sus pinturas las realizará estirada en su cama y en el baño. Sin embargo su gran fuerza y energía por vivir le permitieron una importante recuperación.

Les publico estos datos, por que son las razones mas fuertes por las que se dejaba llevar a la hora de pintar, y no les pongo toda la biografía no porque sea fome, es muy interesante, pero me gustaría compartir con ustedes las razones y trasfondo entre su vida personal y la relación con sus cuadros.

Uno al leer su vida, se da cuenta de lo luchadora y fuerte que fué esta gran artista, no tuvo una vida fácil, desde muy pequeña tuvo que lidiar con varias enfermedades y mas tarde con un accidente que la marcaría de por vida, un accidente de tranvía que la dejó en las peores condiciones posibles. Postrada en la cama, se aburría y es ahí cuando empezo a pintar.

Si nos ponemos a observar todos sus cuadros, todos relfejan una intensidad e impacto, ya que muestran escenas fuertes, normalmente autoretratos, pero no buscan ni reflejan perfección o belleza de ella, mas bien su propia realidad, y es cuando hace un comentario : "Nunca pinté mis sueños. Pinté mi propia realidad". Era cierto todos tenían relación con su vida, su sufrida relación amorosa con Diego Rivera, sus incapacidad de tener hijos tras el accidente, sus limitaciones corporales, etc Y ella a pesar de todas las complicaciones, tenía valentía y fuerza para seguir adelante.

Yo afortunadamente tuve la suerte de visitar la Casa Azul de Coyoacán, su casa de toda la vida, que se transformó en su museo. Este tiene una energía asombrosa, llena de colores al puro estilo mexicano, muy tradicional e impactante al mismo tiempo , en su habitación se observa la cama donde ella solía pintar, con un espejo con el cuál pintaba sus autoretratos o sus sillas de ruedas... la verdad que es un ambiente único.

Los invito a que averiguen mas sobre la vida de esta artista y sobre todo sus obras.

"La basura de un hombre es el tesoro de otro"

Eric Knorpp expone su trabajo en la galería animal.

Cada santiaguino genera alrededor de un kilo de basura al día y en la capital solo se recicla el 9 % de ella. El proyecto de Knorpp, La Basura de un Hombre es el Tesoro de Otro, busca mostrar una parte del llamado proceso o estrategia de las 3R: Reducción, reutilización y reciclaje, bajo el prisma del trabajo artístico, como una forma de expresar la visión de ellos y aportarlo al trabajo que se está haciendo en chile en pos del reciclaje de desechos.


Esta muestra ya no está exposición pero igual me gustaría compartirla con ustedes, ya que me pareció muy interesante todo el tema del reciclaje, la manera como está tratado el relieve, el color y la mezcla de diferentes desechos, visualmente fué una muestra muy entretenida y me llamó mucho la atención.
Lo mas rescatable de esta, sin duda es el tema ecologico en esta muetra, el tema deel reciclaje no es menor y con este tipo de muestras de cierta manera, aunque pequeña, se trata de incentivar al reciclaje de desechos, asique me parece una muy buena iniciativa del grupo a cargo.

“200 Años del Teatro Chileno” Renuevan la Cartelera Nacional

La cartelera nacional levanta el telón con grandes remontajes de los “200 años de teatro chileno”. Para todos aquellos espectadores que se quedaron fuera del teatro en enero y no pudieron ver emblemáticas obras como “Entre gallos y medianoche”, “Topografía de un desnudo”, “Historia de la Sangre”, “Hechos Consumados”, “Lindo país esquina con vista al mar” y “Cinema Utoppia”, es tiempo que revisen las carteleras y asistan a los teatros.

El pasado “Festival Internacional de Teatro Santiago a Mil”, celebró en grande los 200 años de teatro chileno, que fueron conmemorados a través de la reposición y co-producción de 17 obras claves en la historia de las artes chilenas, una especie de radiografía por lo mejor de las tablas nacionales. El balance, más que positivo. Las entradas se agotaron y los montajes se transformaron en éxitos de audiencia. Ahora, varias de estás obras están en la cartelera santiaguina.

Exposición "Tributo a la Fé"

Galería LA SALA - Exposición "Tributo a la Fé"

El jueves pasado me pase por varias galerías de arte, entre ellas "La Sala" y estaba esta exposición de "Tributo a la Fe" eran obras de arte religioso, una especie de vínculo de arte con valores cristianos, me parece interesante que quieran promover estos valores con el arte, ya que desde los inicios de este, el arte estubo muy vinculado a la religión.
En total son 13 pinturas, entre ellas "La crucifixión" y el "Juicio final", realizadas por el pintor Manuel Antonio Aguirre, donde ha colaborado en su gestión el pintor Alvaro Bindis.
"Tributo a la Fe" es un proyecto Bicentenario que no solo será expuesto acá sino que tambien en las principales ciudades del país y Canal 13 exhibirá un documental relativo a este proyecto.

Cine Mudo Chileno

A propósito de que clase a clase hemos visto un poco de cine mudo, me incitó a averiguar sobre este y en particular el cine mudo chileno, y me encontre con este largometraje que trata la vida de Manuel Rodriguez, fue realizado por Pedro Sienna en 1925 y es el único largometraje del cine mudo que se puede observar ahora en la actualidad. Trata de las aventuras de Manuel Rodriguez hasta su muerte y lo curioso es que es interpretado por el mismo director y mas tarde es declarado Monumento Histórico.

Paseos por Punta del Este

" Los Dedos" es una gigantesca escultura en playa Brava de Punta del Este y lo que mas me llamó la atención de esta, es su creador y no es mas que un Chileno, esta obra fue del artista Mario Irrarazábal en el año 1982. Me sentí orgullosa de mi país al observarla y no sólo esta si no que hay otras mas a lo largo de la ciudad. Una "pequeña" huella de Chilito en esta gran ciudad! y pequeña lo digo irónicamente, ya que es el icono que identifica a la península. Gracias Mario!

Casapueblo - Punta del Este

El Museo Taller de CasaPueblo está ubicado en Punta Ballena, a 15 minutos de Punta del Este, Uruguay y funciona en el centro de la monumental construcción.

Está abierto los 365 días, de sol a sol y anualmente es visitado por más de 60 mil turistas de todo el mundo. Este sector de Casapueblo fue cedido por su creador, el artista Carlos Páez Vilaró, con el deseo de incentivar el interés cultural de la región. Para ello cedió al Museo gran parte de su obra realizada en diferentes países en los últimos cincuenta años.

Museo que sin duda me trajo sentimientos encontrados allí, es increíble la magia que se crea con semejante estructura y que decir de la puesta de sol maravillosa, la cuál mientras uno la está observando se escucha un poema de Páez y esto de todas maneras le da un toque de mística al momento.

Uno de mis lugares favoritos por la integración del arte, música y literatura con la naturaleza.